Yaiza Hernández Velázquez. Antes (y después) del cubo blanco

La historia de las exposiciones de arte moderno ha estado dominada por la gramática del cubo blanco, que ha mantenido un monopolio casi total del leguaje expositivo desde mediados del siglo XX. Durante esta sesión, trataremos de situar históricamente el cubo blanco, entendiéndolo como un episodio histórico imbricado en un contexto social y artístico específico que pertenece ya a nuestro pasado más inmediato. Así mismo, trataremos de reconstruir otras genealogías expositivas para después especular colectivamente sobre lo que podría ser el futuro de la exposición o, incluso, el futuro del arte después de la exposición.

Facultad de Bellas Artes, aula 1.04

9 de enero de 2023, 11.00 h.

Yaiza Hernández Velázquez es doctora en Filosofía y profesora del departamento de Visual Cultures de Goldsmiths, University of London. Anteriormente trabajó durante seis años en Central Saint Martins, University of the Arts London, donde dirigió el Máster en Estudios Expositivos (el único máster con esta especialidad del mundo) y como profesora en la Facultad de Bellas Artes de Middlesex University. Antes de regresar a la universidad trabajó durante más de diez años en instituciones artísticas, entre otras cosas como Jefa de Programas Públicos del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), directora del Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte contemporáneo (CENDEAC), de la región de Murcia y conservadora del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria.

Entre sus publicaciones más recientes destacan «Why Exhibition Studies?» en Art and its Worlds: Exhibitions, Institutions and Art Becoming Public, (Afterall/MIT, 2021); «Imagining Curatorial Studies after 1972» en Curating after the Global (MIT, 2019); «Cortocircuitos del Museo y la Autonomía» en ¡Autonomía! ¡Autonomización! (TEA, 2019) y «A Constituent Education» en The Constituent Museum. Constellations of Knowledge, Politics and Mediation, (Valiz, 2018). Una lista regularmente actualizada de sus textos y conferencias puede encontrarse aquí: https://research.gold.ac.uk/view/goldsmiths/Hern=E1ndez_Vel=E1zquez=3AY=2E_M=2E=3A=3A.html



Café a la brasa (I)

Café a la brasa plantea, más que un seminario, crear un hábito: el de quedar para hablar, de manera distendida, sobre (lo que está pasando o le está pasando al) arte. Basada en la “metodología” del café filosófico, la idea es simple: un par de veces al mes, convocar una tertulia, a la hora del café, para abordar algún tema relacionado con el arte. Un pro.ponente presentará un tema relacionado con las últimas tendencias del pensamiento contemporáneo con la intención de provocar un debate focalizado en el análisis de en qué medida y sentido el asunto abordado puede influir en la creación artística. Nos interesa plantear los temas no tanto porque los conozcamos como porque nos gustaría conocerlos y abordarlos desde diferentes enfoques.

El seminario se mantendrá abierto en el tiempo (y a las propuestas de temas), desarrollándose por fases.

PROGRAMACIÓN

29/11/22, de 16 a 18 h.

Los nuevos materialismos. Óscar Hernández y Ramón Salas

15/12/22, de 13.15 a 15.15

Las prácticas relacionales y la documenta 15. Carlos Jiménez

20/12/22, de 16 a 18 h.

Espejos convexos (¿descolonizar las colecciones?). Gilberto González

Información y matrículas aquí.



Order

Order (del colectivo Democracia). Reconsiderar la propaganda en el contexto del arte contemporáneo

El proyecto Order del colectivo Democracia parte del poema didáctico de Hesíodo Los trabajos y los días, escrito en una época convulsa de la antigua Grecia, para desarrollar a partir de él un trabajo artístico complejo, tanto en términos materiales ―una película operística en tres partes, basada en intervenciones en espacios públicos y privados, una instalación, objetos y documentación― como en lo tocante al marco referencial en el que se desarrolla, que relaciona textos clásicos, letras punk, el teatro épico brechtiano o aspectos culturales de la acción política de movimientos subalternos como el Black Power.

Order problematiza las coordenadas que estructuran la realidad hegemónica de un capitalismo global que genera unas violentas consecuencias, dañando la igualdad y la justicia social. Este proyecto no se limita a los tradicionales ámbitos de la crítica, cuyos efectos resultan claramente limitados en el actual contexto sociocultural, adentrándose en una reconsideración de los efectos de la propaganda.

………………………………………

La actividad la organiza el Aula Cultural de Pensamiento Artístico Contemporáneo de la ULL en colaboración con TEA. Tenerife Espacio de las Artes.

El viernes 6 de mayo, entre las 16.00 y las 18.30 h. se proyectarán las tres partes de la película operística Order: Acto I. Eat the Rich-Kill the Poor (23´09”), Acto II. Konsumentenchor (17´43”) y Acto III. Dinner at The Dorchester (18´53”).

Acto seguido, se contará con la presencia de Pablo España, miembro del colectivo Democracia, con el que se establecerá un diálogo moderado por Daniel Villegas, profesor de la Facultad de Bellas Artes de la ULL.

………………………………………

El proyecto Order ha sido mostrado con anterioridad en: La Panera (Lleida), Station Museum of Contemporary Art, Houston (USA), Galería ADN (Barcelona), Rua Red (Tallaght, Dublin, Irlanda) y, más recientemente, en la muestra comisariada por el colectivo PSJM In Good Company. Films by International art collectives en el CCA Gran Canaria (Las Palmas).

DEMOCRACIA es un colectivo artístico con sede en Madrid, España. Formado en 2006, busca centrar la producción artística en la colectividad, la disidencia y el conflicto. El trabajo de DEMOCRACIA se caracteriza por las intervenciones sociales, politizando espacios y situaciones a través del aparato de propaganda. Sus preocupaciones se expresan a través de formas que subvierten y reposicionan el material estético y la retórica textual de las culturas políticas occidentales. Al hacerlo, su práctica presenta una crítica a las instituciones, sistemas y convenciones sociales, políticas y económicas.

DEMOCRACIA ha expuesto en solitario en instituciones y centros de arte como la Bienal de Varsovia, Polonia (2020), La Panera, Lleida, España (2019), Station Museum of Contemporary Art, Houston, EEUU (2019), Rua Red, Dublín, Irlanda (2018); Arts Santa Mónica, Barcelona, España (2015); Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Alemania (2013); Hirshhorn Museum, Washington, DC, USA (2012), ha participado en bienales como Liubliana (2013) La Habana (2009) Taipei, Taiwán (2008), Estambul (2007), Gotteborg (2007).

 



Espacios de posibilidad

El arte ha abandonado la lógica del historicismo para sumergirse en su historicidad. Ya no se considera a sí mismo como una constante antropológica, sino como una actividad histórica que podría perfectamente mutar o desaparecer. Por otra parte, tampoco se piensa como la expresión del espíritu del tiempo, con una lógica interna, de una cultura orgánica, con un fundamento de verdad, o de un ser excepcional, con un mensaje intemporal. Es una práctica contingente que debe renegociar constantemente su sentido en un mundo cambiante. En estas circunstancias, al artista le toca no solo crear el texto sino definir el contexto en el que su discurso cobra sentido y que, a su vez, define su subjetividad. Ese contexto es, obviamente, relacional, un espacio compartido de geometría variable.

El arte no tiene territorios vedados ni lugares específicamente asignados, pero, sin duda, existen terrenos más o menos fértiles para su cultivo. La enseñanza del arte debe consagrarse, en buena medida, a la cartografía de estos espacios de posibilidad. Ese mapeado no puede hacerse desde la perspectiva elevada en la que antes se situaba el ojo de Dios, ni desde la supuesta objetividad del científico: debe hacerse recorriendo un territorio que se abre, como posibilidad, cuando se transita, desde una perspectiva inmersiva, ubicada e implicada. Por eso su enseñanza no se puede abordar desde una metodología magistral, sino desde un ámbito abierto de controversia y definición de criterios.

Espacios de posibilidad quiere convertirse en ese foro abierto al pensamiento artístico que visite periódicamente los ámbitos que se abren a la práctica del arte, analizando su fertilidad y, sobre todo, el grado de toxicidad de los discursos que la abonan.

coordinación: Ramón Salas

Aula 1.04. Facultad de Bellas Artes

Espacios de posibilidad 1. La obra como formato: en torno al Fotolibro. con Sonsoles Company.
Lunes, 14 de diciembre de 2020 de 17:30 a 19.00 h.

Espacios de posibilidad 2. Cartografía de la dispersión: archivo, genealogías, curaduría y mapeados. Con Ramón Salas.
Martes 6 de abril de 2021, de 15.30 a 17.30 h.

Espacios de posibilidad 3. La investigación artística. Con Paula Garcí­a-Masedo.
Miércoles, 14 de abril de 2021, de 12:00 a 13:30 h.
Esta actividad se enmarca en el programa ‘la tertulia’, organizado por Batalla

Espacios de posibilidad 4. La crisis del paradigma moderno: arte político, modal y de contexto, con Daniel Villegas.
Jueves, 15 de abril de 2021, de 15:30 – 17:30 h.

Espacios de posibilidad. 5. Espacios de lo Queer. Con Mike Batista.
Martes, 11 de mayo de 2021, de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad 6. El triunfo de lo banal: cultura visual y prácticas vernáculas. Con Ramón Salas.
Martes 20 de abril del 2021., de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad 7. Arte de mediación y nuevas institucionalidades. Con Ramón Salas.
Martes 27 de abril del 2021 , de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad. 8. Rancière y la circulación de las imágenes. Con Mario Rodríguez.
Martes, 25 de mayo de 2021, de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad. 9. La materialidad y la aparición del dispositivo en el cine Materialista / Estructuralista. Con Tania Castellano.
Martes, 1 de junio de 2021, de 15:30 a 17:30 h.

 



Visita de Boris Groys a 25 ft. Orientaciones’17

El 4 de agosto el filósofo y analista cultural Boris Groys, acompañado de Roc Laseca, director de los encuentros Denkbilder visitó la exposición la edición 2017 de la Exposición 25 ft. comisariada por Manolo Cruz y departió con los artistas integrantes de la muestra: Adrián Ferrera, Esther Elena PA, Cristina Regalado, Rafael García y PB.PM
 
Boris Groys
Nacido en Berlin en 1947, Boris Groys es uno de los filósofos más influyentes en el ámbito artístico contemporáneo y la discusión institucional actual. Reconocido internacionalmente por sus investigaciones sobre el arte de vanguardia del siglo XX y los medios de comunicación contemporáneos, es en la actualidad Profesor de Nuevos Medios en la Universidad de Artes y Diseño de Karlsruhe y Global Distinguished Professor de la New York University. Estudió filosofía y matemáticas en la Universidad de Leningrado. Miembro activo de los círculos no oficiales de intelectuales y artistas de Moscú y Leningrado bajo el régimen soviético, emigró a Alemania, donde se doctoró en filosofía en la Universidad de Münster. Desde entonces, desarrolló una intensa vida académica en diversas universidades europeas y americanas, mientras publicaba algunos de los libros que se convertirían rápidamente en textos de referencia internacional, entre los que destacan Sobre lo nuevo: ensayo de una economía cultural (2014), Bajo sospecha, una fenomenología de los medios (2008) y Obra de Arte Total Stalin (1993). Su estrecho trabajo con los museos, lo ha llevado tanto a curar exposiciones y a explorar los límites institucionales


Proyecta ’17

Proyecta.Arte es un encuentro en el que las y los artistas emergentes tienen la oportunidad de exponer virtualmente y comentar, en un formato agil y ameno, sus trabajos y proyectos ante agentes culturales y personas interesadas en el arte contemporáneo.

Proyecta ’17 contó con la colaboracón de TEA. Tenerife Espacio de las Artes,
la presencia de Raisa Maudit, Alby Álamo y Yolanda Peralta,
y las intervenciones de Cristina Regalado, PM.PB., Itsaso Otero, Mirian Negrín, Uve Navarro, Moli Mundy, Adrián Ferrera y Esther Elena PA.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 



Sobrenaturaleza. Interpelaciones perspectivistas

var grsAtts0 = jQuery.parseJSON('{"id":"8","view":"Thumbnail","theme":"1","width":"200","height":"160","contwidth":"100","imagesperpage":"20","pagination":"loadMore","title":"onhover","orderby":"order","ordering":"ASC","polaroid":"0","clickaction":"openLightbox","openlinktarget":"_top","lightboxwidth":"800","lightboxheight":"600","lightboxfilmstrip":"0","lightboxcomment":"0","lightboxcontbutts":"1","lightboxfullw":"0","lightboxfbutt":"1","lightboxgbutt":"0","lightboxtbutt":"1","lightboxfsbutt":"1","lightboxap":"1","lightboxapin":"3","lightboximinf":"0","lightboxswipe":"1","lightboximcn":"1","lightboxeffect":"fade","themeLastModDate":"1490087321"}'); grsApp.controller('grsThumbnail0', ['$scope', '$filter', '$log', function ($scope, $filter, $log) { $scope.params = { shatts: grsAtts0, grs: '0', data: { images : [], comments: [], theme: {} }, cssReady: false }; insertCss(grsAtts0, '0'); } ]); Bajo la denominación Sobrenaturaleza, interpelaciones perspectivistas Alemán convoca a un nutrido grupo de artistas e intelectuales que mantendrá un dialogo abierto en torno al paisaje concebido como dispositivo social, como mecanismo generador de socialidad, los próximos miércoles 14 y el jueves 15 en el museo de Bellas Artes a las 18.30 horas.
Si existe un género en el que es posible señalar una tradición artística en Canarias este es el paisaje. Además, determinado por la geografía isleña, espacio separado y aislado que le confiere una condición de laboratorio social. Territorio acotado y por tanto absoluto, que en su seductora sensación de maleabilidad ha propiciado la selección de lugares amables y bucólicos que identifican a las islas con un jardín mítico. “Si la estética de lo sublime hubiera ejercido alguna influencia en la pintura y la poesía canarias del siglo XVIII, qué duda cabe que habríamos contado con representaciones de algunas imponentes imágenes –acantilados, barrancos, malpaíses, volcanes– que jalonan la geografía del archipiélago. Pero no fue así…” (CASTRO BORREGO, 1998) los paisajistas canarios prefirieron deslizarse en aparente coherencia desde representaciones de labores del campo, similares a las de los colonos americanos, en algunos paisajes isleños del siglo XVIII, luego proceder sobre románticos rincones provincianos, y al tiempo exóticos caminos flanqueados de vegetación, que recorrieran viajeros del XIX, para desembocar en eudemónicas composiciones arcádicas de utopismos isleños del siglo XX. Todas ellas complejas y contradictorias imágenes construidas a partir de los mismos fragmentos de territorio, en torno a un nexo común que avala la leyenda que identifica a la geografía de las Islas Canarias con el Jardín mítico de las Hespérides. La imagen de la naturaleza es como sabemos un constructo de la cultura.
Intervienen el miércoles 14: Ángel Padrón, pintor; Ramón Salas, profesor de la ULL; Teresa Arozena, fotógrafa y profesora de la ULL. Jueves 15: José Otero, pintor; Juan José Valencia, artista y comisario; Lena Peñate, artista. Moderador Adrián Alemán artista residente en el Museo de Bellas Artes y profesor de la ULL.
#
Título de las jornadas:
Sobrenaturaleza. Interpelaciones perspectivistas
Descriptor:
Diálogos sobre el paisaje como mecanismo generador de socialidad
Fechas:
Miércoles 14 y jueves 15 de junio de 2017
Hora:
De 18.30 a 20.00 horas
Lugar:
Salón del Piano, Museo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife
Organiza:
La Residencia artística Tarquis-Robayna del Museo de Bellas Artes, Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife
Colabora:
Aula Cultural de Pensamiento Artístico de la Universidad de La Laguna https://acpacull.webs.ull.es/
Canarias Crea Canarias
Intervienen: Miércoles 14
Ángel Padrón
pintor y autor de ensayos sobre arte
Ramón Salas
comisario y profesor de la ULL
Teresa Arozena
fotógrafa y profesora de la ULL
Jueves 15
José Otero
pintor y autor de ensayos sobre arte
Juan José Valencia,
artista, comisario y editor de diversos proyectos en red
Lena Peñate Spicer
artista, y editora de proyectos en red
Moderador
Adrián Alemán
artista residente en el Museo de Bellas Artes y profesor de la ULL

GALERÍA DE IMÁGENES:

Aula Cultural de Pensamiento Artístico Contemporáneo de la ULL | Vicerrectorado de Extensión Universitaria de la ULL


La ficción púbica

[encuentros Denkbilder #07]

Si la vida ocupa el espacio que se abre entre los relatos y las experiencias, la «ficción» entonces, como un acuerdo más o menos convenido, está llamado a describir la distancia entre lo que podemos hacer conjuntamente y lo que creemos ser comúnmente. Este abismo, anunciado desde la primera crisis de la vida pública, en el marco de las revoluciones burguesas de 1830 y, sobretodo, de 1848, no ha dejado de actualizarse para crear nuevas situaciones donde la voluntad colectiva termina precipitándose por los huecos de la fe compartida. Practicar entonces la «ficción», no como una alternativa a la vida comunitaria, sino como el acuerdo que nos ha mantenido vivos hasta ahora, colige conocer sus formas (artísticas) y sus espacios (museísticos). Aprovechando el Día Internacional de los Museos (18 de Mayo), pondremos en práctica pretextos de ficción, también con Dora García, que nos conminan a pensar el desarrollo societal en virtud de los límites de las historias que nos contamos.

16 mayo, 20:00 (MNH)

Dora García (con Roc Laseca)
Las Ficciones de Dora

17 mayo, 18:00 (Facultad BBAA)

Encuentro de Dora García con M.L Benavente, A. Castañeda, N. Delgado, G. González y el alumnado del grado
Materiales Comunes LAB

18 mayo, 17:00 (MNH)
Dora García
Workshop*
* solicitud de matricula (gratuíta):  encuentros@denkbilder.org

23 mayo 17:00 (Aula 1.04, BBAA)

Roc Laseca
El Museo: Ficción Urbana Zombi

 

 

 

 

 

 

 

 

 



Arte y autonomía


Si algo caracteriza al arte moderno es su autonomía. Durante siglos, el arte permaneció al servicio de las oligarquías, civiles o religiosas, generando el aparato simbólico que legitimaba culturalmente su situación de privilegio. Las revoluciones burguesas liberaron la creación artística de sus tradicionales comitentes y sus obligaciones funcionales. La estética cifró el valor del arte precisamente en su inutilidad, capaz de contrabalancear no solo la racionalidad de los fines sino la norma burguesa del (buen) gusto. Este paradigma estético se mantuvo vigente al menos hasta mediados de los años 60 del pasado siglo, momento en que la posmodernidad puso en evidencia las connivencias de esta autonomía estética con el reparto burgués delas sensibilidades que mantenía la supuesta radicalidad artística separada de la esfera pública en la que podía resultar realmente inquietante. El arte apostó entonces por recuperar su perdida heteronomía y poner sus energías al servicio de la transformación efectiva del mundo de la vida. Pero este bienintencionado proyecto de recuperar el sentido histórico del arte nos hace pensar, en una época en el que el capitalismo de la experiencia y sus industrias cognitivas han invadido no solo la dimensión productiva de la vida sino también la reproductiva, en la necesidad de volver a reivindicar espacios de autonomía.

 

*

ARTE Y AUTONOMÍA
EN LA ÉPOCA EL CAPITALISMO INVASIVO

Viernes 17 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Una introducción al proyecto de autonomía modal del Jordi Claramonte. Ramón Salas (ULL).

Sábado 18 de marzo [Las suertes. C/ San Antonio, 11, Icod]

12.00 h. Arte y autonomía en la época del capitalismo invasivo. Presenta, introduce y modera: Elsa Mateu (ULL).
Participan: Jordi Claramonte, Ramón Salas, Manolo Cruz (ULL), Adrián Álemán (ULL).
14.00 h. Paella relacional.

Lunes 20 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Estética modal. Jordi Claramonte (UNED)

 

Jordi Claramonte Arrufat, tras licenciarse en Filosofía en la UNED, ha estado investigando en varias universidades españolas (Valencia, Complutense y Autónoma) y trabajando e investigando en instituciones como el MIT, la universidad de Yale o la NYU de Nueva York.
Doctorado por la UNED con una tesis sobre el concepto de autonomía, ha combinado su trabajo como investigador en el área de la Estética y la Teoría de las Artes con frecuentes incursiones en el terreno del arte más contextualizado en términos sociales y políticos, dinamizando iniciativas míticas como La Fiambrera Obrera, SCCPP.org (sabotaje contra el capital pasándoselo pipa) o el Centro Social Autogestionado La Tabacalera de Madrid.
Ha coeditado Modos de Hacer: Arte político, esfera pública y acción directa (Universidad de Salamanca, 2001), o Ciberactivismo (Virus, 2005); y traducido y editado textos fundamentales como Estética Relacional de Michel Bourriaud (Paidós, 2006), El asalto a la cultura (Virus, 2002) y el Manual de la Guerrilla de la comunicación (Virus, 2000), ambos de Stewart Home o Arte como experiencia de John Dewey (Paidós, 2008).
En el 2009 publicó en el CENDEAC Lo que puede un cuerpo. Ensayos de estética modal, pornografía y militarismo; en 2010, en Nerea, Arte de Contexto, un ensayo crítico sobre las prácticas de arte político. También en 2010 y en el Cendeac, La República de los Fines, libro donde da un repaso a fondo a la noción de autonomía, desde la Ilustración hasta nuestros días. En 2015 publicó en Papel de Fumar Desacoplados; y en 2016, en Tecnos, Estética Modal, el libro que justifica este seminario.

 

IMÁGENES:

#bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails { width: 754px; justify-content: center; margin:0 auto !important; background-color: rgba(255, 255, 255, 0.00); padding-left: 4px; padding-top: 4px; max-width: 100%; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-item { justify-content: flex-start; max-width: 250px; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-item a { margin-right: 4px; margin-bottom: 4px; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-item0 { padding: 0px; background-color:rgba(255,255,255, 0.30); border: 0px none #CCCCCC; opacity: 1.00; border-radius: 0; box-shadow: 0px 0px 0px #888888; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-item1 img { max-height: none; max-width: none; padding: 0 !important; } @media only screen and (min-width: 480px) { #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-item0 { transition: all 0.3s ease 0s;-webkit-transition: all 0.3s ease 0s; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-item0:hover { -ms-transform: scale(1.1); -webkit-transform: scale(1.1); transform: scale(1.1); } } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-item1 { padding-top: 74.8%; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-title2, #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-ecommerce2 { color: #CCCCCC; font-size: 16px; font-weight: bold; padding: 2px; text-shadow: 0px 0px 0px #888888; max-height: 100%; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-thumb-description span { color: #323A45; font-size: 12px; max-height: 100%; word-wrap: break-word; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-play-icon2 { font-size: 32px; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .bwg-container-0.bwg-standard-thumbnails .bwg-ecommerce2 { font-size: 19.2px; color: #CCCCCC; }

/*pagination styles*/ #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .tablenav-pages_0 { text-align: center; font-size: 12px; font-weight: bold; color: #666666; margin: 6px 0 4px; display: block; } @media only screen and (max-width : 320px) { #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .displaying-num_0 { display: none; } } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .displaying-num_0 { font-size: 12px; font-weight: bold; color: #666666; margin-right: 10px; vertical-align: middle; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .paging-input_0 { font-size: 12px; font-weight: bold; color: #666666; vertical-align: middle; } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .tablenav-pages_0 a.disabled, #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .tablenav-pages_0 a.disabled:hover, #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .tablenav-pages_0 a.disabled:focus, #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .tablenav-pages_0 input.bwg_current_page { cursor: default; color: rgba(102, 102, 102, 0.5); } #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .tablenav-pages_0 a, #bwg_container1_0 #bwg_container2_0 .tablenav-pages_0 input.bwg_current_page { cursor: pointer; text-align: center; font-size: 12px; font-weight: bold; color: #666666; text-decoration: none; padding: 3px 6px; margin: 0; border-radius: 0; border-style: solid; border-width: 1px; border-color: #E3E3E3; background-color: rgba(255, 255, 255, 1.00); box-shadow: 0; transition: all 0.3s ease 0s;-webkit-transition: all 0.3s ease 0s; }
if( jQuery('.bwg_nav_cont_0').length > 1 ) { jQuery('.bwg_nav_cont_0').first().remove() } function spider_page_0(cur, x, y, load_more) { if (typeof load_more == "undefined") { var load_more = false; } if (jQuery(cur).hasClass('disabled')) { return false; } var items_county_0 = 1; switch (y) { case 1: if (x >= items_county_0) { document.getElementById('page_number_0').value = items_county_0; } else { document.getElementById('page_number_0').value = x + 1; } break; case 2: document.getElementById('page_number_0').value = items_county_0; break; case -1: if (x == 1) { document.getElementById('page_number_0').value = 1; } else { document.getElementById('page_number_0').value = x - 1; } break; case -2: document.getElementById('page_number_0').value = 1; break; case 0: document.getElementById('page_number_0').value = x; break; default: document.getElementById('page_number_0').value = 1; } bwg_ajax('gal_front_form_0', '0', 'bwg_thumbnails_0', '0', '', 'gallery', 0, '', '', load_more, '', 1); } jQuery('.first-page-0').on('click', function () { spider_page_0(this, 1, -2, 'numeric'); return false; }); jQuery('.prev-page-0').on('click', function () { spider_page_0(this, 1, -1, 'numeric'); return false; }); jQuery('.next-page-0').on('click', function () { spider_page_0(this, 1, 1, 'numeric'); return false; }); jQuery('.last-page-0').on('click', function () { spider_page_0(this, 1, 2, 'numeric'); return false; }); /* Change page on input enter. */ function bwg_change_page_0( e, that ) { if ( e.key == 'Enter' ) { var to_page = parseInt(jQuery(that).val()); var pages_count = jQuery(that).parents(".pagination-links").data("pages-count"); var current_url_param = jQuery(that).attr('data-url-info'); if (to_page > pages_count) { to_page = 1; } spider_page_0(this, to_page, 0, 'numeric'); return false; } return true; } jQuery('.bwg_load_btn_0').on('click', function () { spider_page_0(this, 1, 1, true); return false; });
#bwg_container1_0 #bwg_container2_0 #spider_popup_overlay_0 { background-color: #000000; opacity: 0.70; }
if (document.readyState === 'complete') { if( typeof bwg_main_ready == 'function' ) { if ( jQuery("#bwg_container1_0").height() ) { bwg_main_ready(jQuery("#bwg_container1_0")); } } } else { document.addEventListener('DOMContentLoaded', function() { if( typeof bwg_main_ready == 'function' ) { if ( jQuery("#bwg_container1_0").height() ) { bwg_main_ready(jQuery("#bwg_container1_0")); } } }); }

 



Showroom y paella relacional arte’16

Open Studio relacional de fin de curso. Muestra comentada de obras. Música y debates.

Como cada año, despedimos el cuatrimestre con un encuentro lúdico académico en la senda del arte relacional. Otra forma de plantear una comida de trabajo. Otra forma de plantear una exposición. Otra forma de platear una clase. En definitiva otra forma de plantear y pensar las formas.