Espacios de posibilidad

El arte ha abandonado la lógica del historicismo para sumergirse en su historicidad. Ya no se considera a sí mismo como una constante antropológica, sino como una actividad histórica que podría perfectamente mutar o desaparecer. Por otra parte, tampoco se piensa como la expresión del espíritu del tiempo, con una lógica interna, de una cultura orgánica, con un fundamento de verdad, o de un ser excepcional, con un mensaje intemporal. Es una práctica contingente que debe renegociar constantemente su sentido en un mundo cambiante. En estas circunstancias, al artista le toca no solo crear el texto sino definir el contexto en el que su discurso cobra sentido y que, a su vez, define su subjetividad. Ese contexto es, obviamente, relacional, un espacio compartido de geometría variable.

El arte no tiene territorios vedados ni lugares específicamente asignados, pero, sin duda, existen terrenos más o menos fértiles para su cultivo. La enseñanza del arte debe consagrarse, en buena medida, a la cartografía de estos espacios de posibilidad. Ese mapeado no puede hacerse desde la perspectiva elevada en la que antes se situaba el ojo de Dios, ni desde la supuesta objetividad del científico: debe hacerse recorriendo un territorio que se abre, como posibilidad, cuando se transita, desde una perspectiva inmersiva, ubicada e implicada. Por eso su enseñanza no se puede abordar desde una metodología magistral, sino desde un ámbito abierto de controversia y definición de criterios.

Espacios de posibilidad quiere convertirse en ese foro abierto al pensamiento artístico que visite periódicamente los ámbitos que se abren a la práctica del arte, analizando su fertilidad y, sobre todo, el grado de toxicidad de los discursos que la abonan.

coordinación: Ramón Salas

Aula 1.04. Facultad de Bellas Artes

Espacios de posibilidad 1. La obra como formato: en torno al Fotolibro. con Sonsoles Company.
Lunes, 14 de diciembre de 2020 de 17:30 a 19.00 h.

Espacios de posibilidad 2. Cartografía de la dispersión: archivo, genealogías, curaduría y mapeados. Con Ramón Salas.
Martes 6 de abril de 2021, de 15.30 a 17.30 h.

Espacios de posibilidad 3. La investigación artística. Con Paula Garcí­a-Masedo.
Miércoles, 14 de abril de 2021, de 12:00 a 13:30 h.
Esta actividad se enmarca en el programa ‘la tertulia’, organizado por Batalla

Espacios de posibilidad 4. La crisis del paradigma moderno: arte político, modal y de contexto, con Daniel Villegas.
Jueves, 15 de abril de 2021, de 15:30 – 17:30 h.

Espacios de posibilidad. 5. Espacios de lo Queer. Con Mike Batista.
Martes, 11 de mayo de 2021, de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad 6. El triunfo de lo banal: cultura visual y prácticas vernáculas. Con Ramón Salas.
Martes 20 de abril del 2021., de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad 7. Arte de mediación y nuevas institucionalidades. Con Ramón Salas.
Martes 27 de abril del 2021 , de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad. 8. Rancière y la circulación de las imágenes. Con Mario Rodríguez.
Martes, 25 de mayo de 2021, de 15:30 a 17:30 h.

Espacios de posibilidad. 9. La materialidad y la aparición del dispositivo en el cine Materialista / Estructuralista. Con Tania Castellano.
Martes, 1 de junio de 2021, de 15:30 a 17:30 h.

 



III Taller de iniciación a la edición digital

Para los artistas , las herramientas editoriales de difusión de los resultados de la investigación son cada día más necesarias y, al mismo tiempo, más exigentes y competitivas. Afortunadamente, la red y los programas de edición brindan un mundo de posibilidades autogestionadas para abordar la labor de difusión editorial de nuestros trabajos. En este taller se aprenderán los fundamentos de la maquetación y edición digital de publicaciones artísticas.
Está dirigido a cualquier interesado en la creación de ediciones independientes de arte o en la difusión de investigaciones artísticas mediante publicaciones digitales, y especialmente para artistas en formación.

21.01.21 de 11.00 a 14.00 y de 15.30 a 17.30 h. y 04.05.21 y 11.o5.21 de 8.30 a 12.00 h.
Aula 0.08, Facultad de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Contenidos:

Introducción a los programas de maquetación digital. Protocolos básicos y entornos de trabajo.
Creación de documentos y paginado y reticulación.
Colocación y formato de texto.
Colocación y formato de imagen.
Multimedia y enlaces.
Interacciones entre imagen y texto. Cajas y objetos.
Perfiles, empaquetado y formatos de salida.

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Visita de Boris Groys a 25 ft. Orientaciones’17

El 4 de agosto el filósofo y analista cultural Boris Groys, acompañado de Roc Laseca, director de los encuentros Denkbilder visitó la exposición la edición 2017 de la Exposición 25 ft. comisariada por Manolo Cruz y departió con los artistas integrantes de la muestra: Adrián Ferrera, Esther Elena PA, Cristina Regalado, Rafael García y PB.PM
 
Boris Groys
Nacido en Berlin en 1947, Boris Groys es uno de los filósofos más influyentes en el ámbito artístico contemporáneo y la discusión institucional actual. Reconocido internacionalmente por sus investigaciones sobre el arte de vanguardia del siglo XX y los medios de comunicación contemporáneos, es en la actualidad Profesor de Nuevos Medios en la Universidad de Artes y Diseño de Karlsruhe y Global Distinguished Professor de la New York University. Estudió filosofía y matemáticas en la Universidad de Leningrado. Miembro activo de los círculos no oficiales de intelectuales y artistas de Moscú y Leningrado bajo el régimen soviético, emigró a Alemania, donde se doctoró en filosofía en la Universidad de Münster. Desde entonces, desarrolló una intensa vida académica en diversas universidades europeas y americanas, mientras publicaba algunos de los libros que se convertirían rápidamente en textos de referencia internacional, entre los que destacan Sobre lo nuevo: ensayo de una economía cultural (2014), Bajo sospecha, una fenomenología de los medios (2008) y Obra de Arte Total Stalin (1993). Su estrecho trabajo con los museos, lo ha llevado tanto a curar exposiciones y a explorar los límites institucionales


Proyecta ’17

Proyecta.Arte es un encuentro en el que las y los artistas emergentes tienen la oportunidad de exponer virtualmente y comentar, en un formato agil y ameno, sus trabajos y proyectos ante agentes culturales y personas interesadas en el arte contemporáneo.

Proyecta ’17 contó con la colaboracón de TEA. Tenerife Espacio de las Artes,
la presencia de Raisa Maudit, Alby Álamo y Yolanda Peralta,
y las intervenciones de Cristina Regalado, PM.PB., Itsaso Otero, Mirian Negrín, Uve Navarro, Moli Mundy, Adrián Ferrera y Esther Elena PA.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 



Sobrenaturaleza. Interpelaciones perspectivistas

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Si existe un género en el que es posible señalar una tradición artística en Canarias este es el paisaje. Además, determinado por la geografía isleña, espacio separado y aislado que le confiere una condición de laboratorio social. Territorio acotado y por tanto absoluto, que en su seductora sensación de maleabilidad ha propiciado la selección de lugares amables y bucólicos que identifican a las islas con un jardín mítico. “Si la estética de lo sublime hubiera ejercido alguna influencia en la pintura y la poesía canarias del siglo XVIII, qué duda cabe que habríamos contado con representaciones de algunas imponentes imágenes –acantilados, barrancos, malpaíses, volcanes– que jalonan la geografía del archipiélago. Pero no fue así…” (CASTRO BORREGO, 1998) los paisajistas canarios prefirieron deslizarse en aparente coherencia desde representaciones de labores del campo, similares a las de los colonos americanos, en algunos paisajes isleños del siglo XVIII, luego proceder sobre románticos rincones provincianos, y al tiempo exóticos caminos flanqueados de vegetación, que recorrieran viajeros del XIX, para desembocar en eudemónicas composiciones arcádicas de utopismos isleños del siglo XX. Todas ellas complejas y contradictorias imágenes construidas a partir de los mismos fragmentos de territorio, en torno a un nexo común que avala la leyenda que identifica a la geografía de las Islas Canarias con el Jardín mítico de las Hespérides. La imagen de la naturaleza es como sabemos un constructo de la cultura.
Intervienen el miércoles 14: Ángel Padrón, pintor; Ramón Salas, profesor de la ULL; Teresa Arozena, fotógrafa y profesora de la ULL. Jueves 15: José Otero, pintor; Juan José Valencia, artista y comisario; Lena Peñate, artista. Moderador Adrián Alemán artista residente en el Museo de Bellas Artes y profesor de la ULL.
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Título de las jornadas:
Sobrenaturaleza. Interpelaciones perspectivistas
Descriptor:
Diálogos sobre el paisaje como mecanismo generador de socialidad
Fechas:
Miércoles 14 y jueves 15 de junio de 2017
Hora:
De 18.30 a 20.00 horas
Lugar:
Salón del Piano, Museo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife
Organiza:
La Residencia artística Tarquis-Robayna del Museo de Bellas Artes, Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife
Colabora:
Aula Cultural de Pensamiento Artístico de la Universidad de La Laguna https://acpacull.webs.ull.es/
Canarias Crea Canarias
Intervienen: Miércoles 14
Ángel Padrón
pintor y autor de ensayos sobre arte
Ramón Salas
comisario y profesor de la ULL
Teresa Arozena
fotógrafa y profesora de la ULL
Jueves 15
José Otero
pintor y autor de ensayos sobre arte
Juan José Valencia,
artista, comisario y editor de diversos proyectos en red
Lena Peñate Spicer
artista, y editora de proyectos en red
Moderador
Adrián Alemán
artista residente en el Museo de Bellas Artes y profesor de la ULL

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La ficción púbica

[encuentros Denkbilder #07]

Si la vida ocupa el espacio que se abre entre los relatos y las experiencias, la «ficción» entonces, como un acuerdo más o menos convenido, está llamado a describir la distancia entre lo que podemos hacer conjuntamente y lo que creemos ser comúnmente. Este abismo, anunciado desde la primera crisis de la vida pública, en el marco de las revoluciones burguesas de 1830 y, sobretodo, de 1848, no ha dejado de actualizarse para crear nuevas situaciones donde la voluntad colectiva termina precipitándose por los huecos de la fe compartida. Practicar entonces la «ficción», no como una alternativa a la vida comunitaria, sino como el acuerdo que nos ha mantenido vivos hasta ahora, colige conocer sus formas (artísticas) y sus espacios (museísticos). Aprovechando el Día Internacional de los Museos (18 de Mayo), pondremos en práctica pretextos de ficción, también con Dora García, que nos conminan a pensar el desarrollo societal en virtud de los límites de las historias que nos contamos.

16 mayo, 20:00 (MNH)

Dora García (con Roc Laseca)
Las Ficciones de Dora

17 mayo, 18:00 (Facultad BBAA)

Encuentro de Dora García con M.L Benavente, A. Castañeda, N. Delgado, G. González y el alumnado del grado
Materiales Comunes LAB

18 mayo, 17:00 (MNH)
Dora García
Workshop*
* solicitud de matricula (gratuíta):  encuentros@denkbilder.org

23 mayo 17:00 (Aula 1.04, BBAA)

Roc Laseca
El Museo: Ficción Urbana Zombi

 

 

 

 

 

 

 

 

 



Taller de Publicaciones interactivas (para Tablets)

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Para asisitir al curso es necesario tener conocimientos de In Design. Aprender a realizar Publicaciones interactivas para tablets  utilizando un plugins externos.

27, 28, 29 y 30 de marzo, de 10.30 a 13.00 h.
Aula 0.06.2, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

 

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II Taller de iniciación a la edición digital

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Tanto para artistas como para académicos, las herramientas de difusión de los resultados de la investigación son cada día más necesarias y, al mismo tiempo, más exigentes, más competitivas. Afortunadamente, la red y las herramientas digitales brindan un mundo de posibilidades autogestionadas para abordar la labor de difusión editorial de nuestros trabajos. En este taller se aprenderán los fundamentos de la maquetación y edición digital de publicaciones artísticas y científicas.
Está dirigido a cualquier interesado en la difusión digital de los resultados de su trabajo o investigación mediante publicaciones digitales, especialmente artistas, alumnos y profesores universitarios.

La superación de este curso es imprescindible para realizar el taller de publicación digital avanzada.

22 y 23 de marzo, de 17.30 a 19.30 h.
Aula 0.06.2, sección de Bellas Artes, ULL

Número máximo de asistentes: 15
Inscripción: rsalas@ull.es

Contenidos:

Introducción a los programas de maquetación digital. Protocolos básicos y entornos de trabajo.
Creación de documentos y paginado y reticulación..
Colocación y formato de texto.
Colocación y formato de imagen.
Multimedia y enlaces.
Interacciones entre imagen y texto. Cajas y objetos.
Perfiles, empaquetado y formatos de salida.
Herramientas básicas de dibujo vectorial.

GALERÍA DE IMÁGENES:

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Arte y autonomía


Si algo caracteriza al arte moderno es su autonomía. Durante siglos, el arte permaneció al servicio de las oligarquías, civiles o religiosas, generando el aparato simbólico que legitimaba culturalmente su situación de privilegio. Las revoluciones burguesas liberaron la creación artística de sus tradicionales comitentes y sus obligaciones funcionales. La estética cifró el valor del arte precisamente en su inutilidad, capaz de contrabalancear no solo la racionalidad de los fines sino la norma burguesa del (buen) gusto. Este paradigma estético se mantuvo vigente al menos hasta mediados de los años 60 del pasado siglo, momento en que la posmodernidad puso en evidencia las connivencias de esta autonomía estética con el reparto burgués delas sensibilidades que mantenía la supuesta radicalidad artística separada de la esfera pública en la que podía resultar realmente inquietante. El arte apostó entonces por recuperar su perdida heteronomía y poner sus energías al servicio de la transformación efectiva del mundo de la vida. Pero este bienintencionado proyecto de recuperar el sentido histórico del arte nos hace pensar, en una época en el que el capitalismo de la experiencia y sus industrias cognitivas han invadido no solo la dimensión productiva de la vida sino también la reproductiva, en la necesidad de volver a reivindicar espacios de autonomía.

 

*

ARTE Y AUTONOMÍA
EN LA ÉPOCA EL CAPITALISMO INVASIVO

Viernes 17 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Una introducción al proyecto de autonomía modal del Jordi Claramonte. Ramón Salas (ULL).

Sábado 18 de marzo [Las suertes. C/ San Antonio, 11, Icod]

12.00 h. Arte y autonomía en la época del capitalismo invasivo. Presenta, introduce y modera: Elsa Mateu (ULL).
Participan: Jordi Claramonte, Ramón Salas, Manolo Cruz (ULL), Adrián Álemán (ULL).
14.00 h. Paella relacional.

Lunes 20 de marzo, 15.30 – 17.30 h.  [BB.AA. 1.04]

Estética modal. Jordi Claramonte (UNED)

 

Jordi Claramonte Arrufat, tras licenciarse en Filosofía en la UNED, ha estado investigando en varias universidades españolas (Valencia, Complutense y Autónoma) y trabajando e investigando en instituciones como el MIT, la universidad de Yale o la NYU de Nueva York.
Doctorado por la UNED con una tesis sobre el concepto de autonomía, ha combinado su trabajo como investigador en el área de la Estética y la Teoría de las Artes con frecuentes incursiones en el terreno del arte más contextualizado en términos sociales y políticos, dinamizando iniciativas míticas como La Fiambrera Obrera, SCCPP.org (sabotaje contra el capital pasándoselo pipa) o el Centro Social Autogestionado La Tabacalera de Madrid.
Ha coeditado Modos de Hacer: Arte político, esfera pública y acción directa (Universidad de Salamanca, 2001), o Ciberactivismo (Virus, 2005); y traducido y editado textos fundamentales como Estética Relacional de Michel Bourriaud (Paidós, 2006), El asalto a la cultura (Virus, 2002) y el Manual de la Guerrilla de la comunicación (Virus, 2000), ambos de Stewart Home o Arte como experiencia de John Dewey (Paidós, 2008).
En el 2009 publicó en el CENDEAC Lo que puede un cuerpo. Ensayos de estética modal, pornografía y militarismo; en 2010, en Nerea, Arte de Contexto, un ensayo crítico sobre las prácticas de arte político. También en 2010 y en el Cendeac, La República de los Fines, libro donde da un repaso a fondo a la noción de autonomía, desde la Ilustración hasta nuestros días. En 2015 publicó en Papel de Fumar Desacoplados; y en 2016, en Tecnos, Estética Modal, el libro que justifica este seminario.

 

IMÁGENES:

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Merienda y remienda

Un proyecto de Itsaso Otero en colaboración con el ACPACULL.

Taller de ensamblaje a partir de la hibridación y reciclaje de materiales. Una propuesta didáctica en la que el alumnado del taller de Creación de Arte_C plantea un ejercicio lúdico-académico a sus compañerxs de primer curso de Bellas Artes de introducción a las herramientas de construcción y, sobre todo, al arte relacional y colaborativo.
El arte se identifica cada vez menos con un objeto y más con un dispositivo para la generación colaborativa de experiencias formativas no jerarquizadas. Una «merienda de trabajo» y el retorno a la materialidad sirve de excusa para explorar nuevas formas de creación.

Jueves 25 de enero, 15.30 horas. Aula 1.04 (sección de Bellas Artes)

Entrada libre